杏彩体育官方网站1. 摄影是一门随着传统摄影技术的形成和发展而产生的摄影应用科学，它以摄影光学、摄影化学和电子技术为基础，在长期实践中形成了独特的拍摄体系。

　　2. 照相、拍电影或电视。郑泽《壬子秋日钝庵邀摄影像作诗奉呈》：“摄影纪盛游，或左亦或右。” 洪深 《电影戏剧表演术》xxx章一：“戏剧对于人生，不能像摄影的对于景物那样，一些不走样地反映。”如：摄影棚。

　　3. 指照片。《孽海花》第十一回：“ 菶如 拆开看了，又拆了那纸包，却密密层层的包着，直到末层，方露出那一张一尺大的西法摄影。上头却是两个美丽的西洋妇人。”

　　4. 引申指如实反映。 黄人 《清文汇序》：“有一代之政教风尚，则有一代之学术思想，蜕故孳新，瞤息不可复省，而有为之摄影者曰史，而有为之留声者曰文。”

　　一般简称的摄影，即是用照相机，映像在底片，冲印底片成为单一相片，一张张作xxx保存。但相片的影像是不动、无声，仅供人观赏其人物、意境，进而体会其涵义。

　　今天世界上仍存留最早的一张照片可以追溯至1827年，出自法国约瑟夫·尼埃普斯之手。

　　在进行照相时，光通过小孔（更多时候是一个透镜组）进入暗盒，在暗盒背部（相对于光入射方向）的介质上成像。根据实际光强度和介质感光能力的不同，要求的光照时间也不同。在光照过程中，介质被感光。

　　照相进行完成后，介质所存留的影像信息必须通过转换而再度为人眼所读取。具体方法依赖于感光手段和介质特性。对于胶片照相机，会有定影，显影，放大等化学过程。对于数码照相机，则需要处理器对数据进行计算，再通过电子设备输出。

　　一般来讲，人们使用可见光照相，最常用到的是照相机。因场景和用途的不同，照相机有着非常多的分类。综合来讲，照相机都要有几个基本的部分以保证曝光过程，这包括：感光介质、成像透镜、曝光时间控制机构胶卷暗盒

　　有时，人们还会采用小孔成像的实验设备进行照相，这只需要一个有小孔的暗盒、感光介质和控制光照时间方法。

　　单反，就是指单镜头反光，即SLR(SingleLensReflex)，这是当今最流行的取景系统，大多数照相机都采用这种取景器。在这种系统中，反光镜和棱镜的独到设计使得摄影者可以从取景器中直接观察到通过镜头的影像。

　　拥有一个固定的半透明反光板，采用电子取景器。代表机型有索尼SLT-A55和SLT-A33等。

　　没有反光板，外形更类似传统小DC，但可以换镜头。代表机型有索尼NEX-5c及奥林巴斯E-PL1等。

　　旁轴相机，也称为旁轴取景式相机，由于取景光轴位于摄影镜头光轴旁边，而且彼此平行，因而取名“旁轴”相机。旁轴相机的取景方式和单反相机不一样，不是通过镜头取景，而是通过独立取景器取景，所以近距离时取景会存在一定视差。其代表机型为莱卡品牌系列相机。

　　双反相机指双镜头反光相机，全称为双镜头反光镜取景反光取景式相机。它和单反的区别在于镜头数上。双反如今已被单反取代，其代表机型如中国的海鸥，德国的禄来，日本的美能达等等。

　　早在17世纪一些小的便于携带的暗箱（暗盒）(camera obscura)，常被用来作为艺术家画画的辅助工具。他们将四面封闭的暗箱装在一个轿子上，以便于短途运送,暗箱的顶上装有镜头及反光镜。反光镜将光线反射在暗箱内的画板上，形成直立的影像.有的是反光式暗箱,可以放在桌子上。有的甚至可以放在手上。在这些暗箱中，影像可以直接描在纸上。这种发明，对准确地描绘风景建筑的透视与比例，是极为有用的。

　　暗箱的基本原理，由于光是走直线的，所以，一个小孔能将阳光照耀下的景物在暗箱中形成一个粗略的影像，这实质上就是相机的雏形。摄影的前驱们经过了无数次失败的探索，终于在1839年研究成功，影像得到xxx的留住。

　　1839年达盖尔式摄影法（银版摄影法）诞生，标志着摄影的发明。随后就应用到商业运营中，不到五年的时间里，就在美国以及欧洲大多数国家的主要城市中，都建立了人像摄影室(Portrait studio).这些摄影室，常被称为“达盖尔式摄影室”，同时也标志着一个新的商品形式的出现，而制作摄影产品的就是我们都熟悉的“照相馆”，早期的摄影商务活动的确带来了丰厚的利润，而反过来又推动了摄影的发展。如果没有市场的需求，也就没有摄影的发展。从整体上来讲摄影产品与商品是关联的。

　　1842年5月5日，德国汉堡发生了一次大火，大火连烧了四天，比鸥乌和史特尔茨纳二人奔赴火场，拍下了有关废墟的许多照片，后来大多失散，仅存一幅。这次拍摄和这张照片是今天人们公认的世界上xxx次新闻摄影活动和xxx张新闻照片。

　　摄影术的诞生是随着欧洲资本主义的发展应运而生的，150多年来，它经历了一个由简单到复杂、由低速向高速、由手工向自动化方向发展的过程，但万变不离其宗，总也脱不开照相机和胶卷的传统模式，代代相传，直至今日。

　　100多年来，人们也一直在为寻求一种新的感光材料和更为方便实用的摄影方法而苦苦追求，以取代复杂、陈旧、落后的传统摄影方式。二十世纪末叶以来，伴随着计算机在各个领域的迅速普及，已经来临，给人们的工作和生活带来了新的冲击，应运而生的数码相机，开拓了数字影像丰富的世界。数码相机的诞生，从根本上改变了传统的摄影工艺和摄影体系，它不仅影响并改变着摄影业的经营观念 、经营方法、管理及服务质量，而且导致每一位摄影工作者创作观念、创作方法的更新。可以说，数码摄影是世纪之交摄影技术领域中的一次非常引人注目的xxx。数码摄影为新闻摄影、图片等各类摄影开创了发展的新机遇，在新旧技术的转型期，我们能否做出快速反应，及早切入，充分享受高科技给人类提供的创作愉悦，也是我们摄影工作者面临的新课题。

　　数码摄影的诞生，向传统摄影发起了严峻的挑战，迫使我们不得不从零开始，来认识数码相机。而数码相机就是由无数个0和1在计算机里或电子器件里排在一起。通俗一点的讲，数码相机就是用电子元器件（一般是CCD或CMOS）替代胶卷作为感光材料并将其所摄物体记录下来的图像以数码的形式保存在可多次重复使用的存储卡中的照相机。后边的事情就交给电脑（也称“电子暗房”）去完成。 现代社会进入了数字时代，随着图片处理的电脑化，传递方式的通讯卫星化，幅大量多的彩色趋势的发展，必将为新闻摄影带来新的繁荣和发展，尤其在中国，数码相机在新闻摄影中的应用仍处在一个上升和发展的时期，新闻摄影将会充分利用电脑的强大优势，以崭新的面目和姿态在信息传播领域发挥新的独特重要作用。

　　静物摄影与人物摄影、景物摄影相对，以无生命（此无生命为相对概念，比如从海里捕捞上来的、已摘掉的瓜果等）、人为可自由移动或组合的物体为表现对象的摄影。多以工业或手工制成品、自然存在的无生命物体等为拍摄题材。在真实反映被摄体固有特征的基础上，经过，并结合构图、光线、影调、色彩等摄影手段进行艺术创作，将拍摄对象表现成具有艺术美感的摄影作品。这就叫静物摄影。

　　静物摄影在选材方面有广阔的天地，在择好素材之后，就可以随心所欲的处理这些对象，因为被摄物体是无生命的，可以任凭摆布，多角度移动以达到创作意图。静物摄影具有两大优点：首先，它是进一步体会艺术视觉的深化过程。当一些很平常的物体被拍成引人入胜的照片时，实际上也就是深入学习观察这些物体的过程。其次，拍摄静物能获得更多的实际摄影知识。对摄影者来说，静物摄影的难处在于它的画面构成具有独到之处。当布置好被摄物体之后杏彩体育app下载，必须选择拍摄角度，在用光方面发挥创造性，进而把从静物摄影中学习到的实际摄影知识、基础原理应用到日常摄影中去。

　　相貌和神态为自身的首要创作任务，虽然有些人像摄影作品也包含一定的情节，但它仍以表现被照者的相貌为主，而且，相当一部分人像摄影作品只交待被摄者的形象，并没有具体的情节。而人物摄影是以表现有被摄者参与的事件与活动为主，它以表现具体的情节为主要任务，而不在于以鲜明的形象去表现被摄者的相貌和神态。这二者之间的重要区别，在于是否具体描绘人物的相貌。不管是单人的或是多人的，不管是在现场中抓拍的还是在照相室里摆拍的，不管是否带有情节，只要是以表现被摄者具体的外貌和精神状态为主的照片，都属于人像摄影的范畴。那些主要表现人物的活动与情节，反映的是一定的生活主题，被摄者的相貌并不很突出的摄影作品，不管它是近景也好，全身也好，只能属于人物摄影的范畴。当然，从广义上来说，人像摄影拍的是人，它也属于人物摄影。 人像摄影以刻画和描绘被摄者的外貌与神态为自己的表现任务，应人物相貌鲜明。它分作照相室人像、室内特定环境人像和户外人像三大类。人像摄影的要求是“形神兼备”。

　　摄影之所以诞生，就是为了记录的目的。它诞生之后所显示出来的强大的生命力，也恰恰在于它的记录功能。这是其他技术或艺术所无法比拟或取代的。因此，从广义上说，摄影就是记录。

　　录摄影的区别在于艺术性的多少与高低，而无xxx的界限。例如：我们去照张像作身份证或留个纪念，一般照相馆拍摄的照片，最多有点资料或记录价值。可是，郑景康先生给齐白石先生拍的人像，50年过去了，至今仍是世界二十幅最优秀的人像作品之一。其中的差别完全 在于艺术性的高低。艺术摄影拍出来的效果更唯美，因为这不仅需要技术，还要找准拍摄的时间、地点和角度。

　　种重要的表达方式。十九世纪后半页，英国摄影家雷兰达拍摄出了曾被预言为“摄影新时代来临了”的作品-----《人生的两条路》，在摄影还被轻视的当时，这幅作品以其劝勉性的主题和油画式的构图，受到了维多利亚女王的极高评价。可以这样说，雷兰达对推进摄影艺术的发展功不可没。从此，画意摄影也逐渐成为摄影艺术中的一个重要流派。

　　商业摄影，顾名思义是指作为商业用途而开展的摄影活动。从狭义上讲就是商业摄影，广义上就是未发布商品或者撰写故等进行的摄影类型，这种类型在时下的摄影活动中是极为重

　　要的一种。这类摄影是为商业利益而存在的，要按照企业要求进行拍摄，比较拘束。

　　和传统的水墨画一样，现市面上出现的水墨摄影作品，按题材，可以分为风景、花鸟和意境，对应国画中的山水画和花鸟画；按手法和意境，可以分为抽象和具象，对应国画中的写意和工笔。

　　水墨风格的摄影照片虽然免不了使用Photoshop等软件的后期加工，但是这并不意味着可以任意扭曲原照片。好的水墨摄影作品要尽量少的修改原照片，它考验的更多的是摄影师的构图和捕捉光影的能力。

　　全息摄影是指一种记录被摄物体反射波的振幅和位相等全部信息的新型摄影技术。普通摄影是记录物体面上的光强分布，它不能记录物体反射光的位相信息，因而失去了立体感。全息摄影采用激光作为照明光源，并将光源发出的光分为两束，一束直接射向感光片，另一束经被摄物的反射后再射向感光片。人眼直接去看这种感光的底片，只能看到像指纹一样的干涉条纹，但如果用激光去照射它，人眼透过底片就能看到原来被拍摄物体完全相同的三维立体像。一张全息摄影图片即使只剩下一小部分，依然可以重现全部景物。全息摄影可应用于工业上进行无损探伤，超声全息，全息显微镜，全息摄影存储器,全息电影和电视等许多方面。

　　绘画主义摄影是流行于20世纪初摄影领域的一种艺术流派，它产生于十九世纪中叶的英国。

　　该派摄影家在创作上追求绘画的效果，或“诗情画意”的境界。它大致经历了这样三个阶段：仿画阶段；崇尚曲雅阶段；画意阶段。

　　绘画主义摄影经历了较长的发展时期，xxx个绘画主义摄影菜是英国画家希路（1802-1870），他擅长人像摄影，作品结构严谨，造型优雅。1851年至 1853年，是绘画主义摄影的成长时期。1869年，英国摄影家HP罗宾森（1830-1901）发表了摄影的画意效果一书，他提出：“摄影家一定要有丰富的情感和深入的艺术认识，方足以成为优秀的摄影家。无疑的，摄影术的继续改良和不断发明启示出更高的目标，因为摄影本身无论如何精巧完备，还只是一种带引到更高的目标而已。”为该派奠定了理论基础。

　　1857年，OG雷兰德（1813-1875）创作了一幅由30余张底片拼放而成的、具有文艺复兴风格的作品：两种生活方式，标志着绘画主义摄影艺术上的成熟。

　　这一时期的作品，其题材大都富有宗教色彩，含有一定的规喻性。拍摄时，预告打好草图，然后利用模特儿、道具，组织和安排场面，并通过暗房加工而成。追求照片画面的绘画效果。

　　随后，绘画主义摄影的内容有所扩大，但风格仍崇尚古典主义，造型和构图仍具学院派的法则，因而显得储蓄、沉表、典雅。

　　当该流派发展到画意阶段时，追求作品的情感、意境和形式的美，依旧是它的特点。

　　由于绘画主义摄影家强调艺术修养：“如果想要使摄影在艺术上有地位，摄影家就必须首先培养起审美的能力和育实艺术的修养。”所以其历史功绩是把摄影从初期机械地摹写对象引导到造型艺术的领域中去，促使了摄影艺术的发展。

　　由于绘画主义的创作大都脱离现实生活，加上摄影器材的日益改善，人们审美趣味的不断发展，为“自然主义”所冲击。尽管这样，在今天的摄影艺术殿堂中，仍有它的席位。

　　这一流派的主要摄影家和作品有：普莱期（?-1896）的男爵之宴、鲁宾逊漂流记、宝塔情景；罗宾林的当一天工作完了的时候、秋天、两个小姑娘、弥留、拿着毒药瓶的朱丽叶、黎明和落日；雷兰德洗礼者圣约朝霞之首、伊菲吉尼亚、优迪特与荷罗佛尼斯；金马伦夫人（1815-1897）的汤姆士卡莱尔和尼达（1820-1910）的弥留之际的嚣俄等等。

　　1899年，英国举办了法国印象派绘画的首次展览。绘画主义派摄影家罗宾森在其影响下，提出“软调摄影比尖锐摄影更优美”的审美标准，提倡“软调”摄影。该流派是绘画印象派在摄影艺术领域中的反映。

　　开始，他们运用软焦点镜头进行拍摄，布纹纸洗印，追求一种模糊朦胧的艺术表现效果。随着“溴化银洗相法”和在颜料中混入重铬酸胶洗相纸法的出现，印象派作品从对镜头成象的控制发展到暗房加工。他们提出“要使作品看起来完全不象照片”，并且认为“假如没有绘画，也就没有真正的摄影。”

　　在这种理论指导下，印象派摄影家还用画笔、铅笔、橡皮在照片画面上加工，特意改变其原有的明暗变化，追求“绘画”的效果，如拉克罗亚在一九零零年创作的《扫公园的人》，就象是一幅画在画布上的炭笔画。印象派摄影家使自己的作品完全丧失了摄影艺术自身的特点，所以有人又把它称之为“仿画派”。可以说它是绘画主义摄影的一个分支。

　　这一流派的艺术特色是调子沉郁，影纹粗糙，富有装饰性，但缺乏空间感。其著名摄影家有杜马希（?-1937）、普约（1857-1933）、邱恩（1866-1944）、瓦采克（1848-1903）、霍夫梅斯特兄弟（1868-1943;1871-1937）、杜尔柯夫（1848-1918）、埃夫尔特（1874-1948）、米尊内（1870-1943）、辛吞（1863-1908）、奇里（1861-1947）等。

　　写实摄影是一种源远流长的摄影流派，延绵至今，仍是摄影艺术中基本的、主要的流派。它是现实主义创作方法在摄影艺术领域中的反映。

　　该流派的摄影艺术家在创作中恪守摄影的纪实特性，在他们看来，摄影应该具有“与自然本身相等同”的忠实性，画面中的每一个细节，只有具有“数学般的准确性”，作品才能发挥他种艺术媒介所不具有的感染力和说服力。A·斯蒂格利茨曾说：“只有探讨忠实，才是我们的使命。”另一方面，他们又反对象镜子那样冷漠地、纯客观地反映对象，主张创作应该有所选择，对所反映的事物应该有艺术家自己的审美判断。著名写实摄影大师刘易斯·海因就说过这样的名言：“我要揭露那些应加纠正的东西；同时，要反映那些应予表扬的东西。”可见他们崇尚艺术应该“反映人生”的观点。他们敢于正视现实，创作题材大都取于社会生活。艺术风格质朴无华，但具有强烈的见证性和提示力量。

　　最早的写实摄影爱好当推英国摄影家菲利普·德拉莫特于1853年拍摄的那些火棉胶纪录片。稍后，则是罗斯·芬顿的战地摄影和六十年代末的威廉·杰克逊的黄石奇观。1870年以后，写实摄影渐趋成熟，开始把镜头转向社会，转向生活。如当时的摄影家巴纳多博士就拍摄了流浪儿童的悲惨境遇，而震动了人们。

　　随后，写实摄影家人才辈出，作品都以其强烈的现实性和深刻性而着称于摄影史。例如英国勃兰德的《拾煤者》；美国R·卡帕的《通敌的法国女人被剃光头游街》；法国韦丝的《女孩》等等，不胜枚举。

　　1899年，摄影家彼得·亨利·爱默生鉴于绘画主义创作的弱点，发表了一篇题为《自然主义的摄影》的论文，抨击绘画主义摄影是支离破碎的摄影，提倡摄影家回到自然中去寻找创作灵感。他认为，自然是艺术的开始和终结，只有最接近自然、酷似自然的艺术，才是最高的艺术。他说，没有一种艺术比摄影更精确、细致、忠实地反映自然，“从感情上和心理上来说，摄影爱好的效果就在于感光材料所记录下来的，没有经过修饰的镜头景象。”该派另一位大师A·L·帕邱说得更明确：“美术应该交给美术家去做，就我们摄影来说，并没有什么可借重美术的，应该从事独立性的创作。”

　　由此可见，这种艺术主张，是对绘画主义的反动，它促使人们把摄影从学院派的桎梏中解脱出来，对充分发挥摄影自身特点有着促进作用。

　　由于自然主义摄影满足于描写现实的表面现实和细节的xxx真实，而忽视对现实本质的挖掘和对表面对象的提炼，一句话，不注意艺术创作的典型化和艺术形象的典型性，因而，它实质上是对现实主义的庸俗化。有时会导致对现实的歪曲。

　　这一派著名的摄影家有德威森（1856-1930）、威尔钦逊（1857-1921）、葛尔（?-1906）、搔耶（1856-?）、萨特克利夫（1859-1940）等。

　　纯粹派摄影是成熟于二十世纪初的一种摄影艺术流派。其创导者为美国摄影家斯蒂格里兹（1864-1946）。他们主张摄影艺术应该发挥摄影自身的特质和性能，把它从绘画的影响中解脱出来，用纯净的摄影技术去追求摄影所特具的美感效果－－高度的清晰、丰富的影调层次、微妙的光影变化、纯净的黑白影调、细致的纹理表现、精确的形象刻画。总之，该派摄影家刻意追求所谓的“摄影素质”：准确、直接、精微和自然地去表现被摄对象的光、色、线、形、纹、质诸方面，而不借助任何其他造型艺术的媒介。

　　科班1913年送展的俯瞰纽约，就是纯粹派中的佳作。摄影家从高处俯瞰纽约某个广场，虽没有任何加工、修饰，但新颖的构图，独特的造型，使人耳目一新，再如E斯坦诚的K桑德伯格，则是用多次曝光的手法，了独幅作品空间、时间的限制，在一个画面中细腻地刻画了诗人情绪的转换，影调的组合和构图的变化，极有韵律感。

　　从某个角度说，纯粹派的某些主张和创作是和自然主义的“混血儿”，后来则衍变成“新即物主义”。但该流派在一定程度上曾促进了人们对摄影特性和表现技巧的探索和研究。

　　这一流派的著名摄影家是斯特兰德（1890-？）和F64小组摄影组织中的摄影家，如亚当斯、坎宁安等。

　　纯粹派后期的作品则向线条、图案和歪曲形象的抽象方面发展，其有影响的摄影家是亚博、史丁纳、史脱特文和伊凡思等。

　　新即物主义摄影又称“支配摄影”、“新现实主义摄影”。为本世纪二十年代出现的一种摄影艺术流派。

　　该流派的艺术特点是在常见的事物中寻求“美”。用近摄、特写等手法，把被摄对象从整体中“分离”出来，突出地表现对象的某一细部，精确如实地刻画它的表面结构，从而达到眩人耳目的视觉效果。它不考虑艺术的本质在于提示对象的本质，因而其美学思想是属于自然主义范畴的。例如，摄影家帕邱在一九二三年拍摄的火车头的回转轴就是用近摄手法，表现了火车头回转轴运转时的状态，由于画面摒弃了其他细部因而给予观众的视觉印象是强烈的。

　　新即物主义的理论先驱是斯特兰德，他对即物主义艺术特征作了如下规定：“新即物主义乃是摄影的本质，并且也是摄影的产物和界限。”他认为，摄影“对生命的表现极强，而且需要观察正确事物的眼睛。为此，并非根据敷衍的过程和操作方法，而是必须运用纯净的摄影术才行。”新即物主义摄影的创作先驱则是阿杰和斯泰肯。而实际创始者为上面提到的帕邱。

　　新即物主义摄影家的功绩是促使人们对摄影自身特性的研究和探索，把摄影从审美性的虚幻世界中拉回到现实生活中来。但是，由于过分强调了细部物质表面结构的描写，为后来的抽象主义摄影提供了萌发的土壤。

　　一九二五年前后，由于出现了大口径的小型照相机，新即物主义的表现领域有了新的发展，产生了不少人像作品及反映社会生活和自然风光的作品。

　　新即物主义的著名摄影家有桑德（1876-1964）、勒斯基（1871-1956）、黑葛（1893-1955）、希尔夏（1881-1948）休利曼·霍培（1878-?）、埃夫特（1874-1948）、威斯吞·亚当斯（?-1902）等。

　　超现实主义摄影为达达派没落时期出现于摄影艺术领域中的一种流派，兴起于上世纪三十年代。

　　这一流派有着较为严谨的艺术纲领和艺术理论。他们认为，用现实主义创作方法去表现现实世界是古典艺术家早已完成了的任务，而现代艺术家的使命是挖掘新的、未被探讨过的那部分人类的“心灵世界”。因而，人类的下意识活动，偶然的灵感、心理变态和梦幻便成了超现实主义摄影艺术家们刻意表现的对象。

　　摄影中的超现实主义者也象达达派摄影家一样，利用剪刀、浆糊、暗房技术作为自己主要的造型手段，创造一种现实和臆想、具体和抽象之间的超现实的“艺术境界”。所以其效果是奇特、荒诞而又神秘的。

　　该流派的创始人是英国摄影家丝顿和美国的布留奎尔（1880-1945）。真正完成者为英国舞台摄影家马可宾（1905-?），他在自己的创作中，把超现实的虚和现实中的实揉合在一起，创造了一种既虚幻又实在的境界。例如，他在一九四六年创作的《马可宾的自画像》就是一幅很典型的超现实作品，它是运用四次曝光的手法拍摄出来的－－一次正面，两次侧面和一次一只眼睛。

　　这一流派的著名摄影家有从事超现实主义集锦照片的画家帕尔汗；变形人体摄影家布兰特；肖像兼宣传摄影家卡逊以及布鲁门塔尔、洛林、哈尔斯曼、赖依、等。

　　该流派的摄影家否定造型艺术是以可审视的艺术形象来反映生活、表现艺术家审美感受的这一基本特性，宣称要把摄影从摄影里解放出来。

　　初期，用无底放省略去“被摄体”的细部纹理和丰富影调，制作成仅表现其形状的“光图画”。后来发展到或运用光线，或剪辑集锦，或中途曝光，或拍摄时震动照相机使被摄体形象在底片中的结象模糊，或多次曝光使之重影，直到改变画面的表面结构，改变被摄物体的原有形态和空间结构，力图使用所谓形式、影调（色彩）和素材的“xxx抽象的语言”，使被摄物体转变成某种不能辨认为何物的线条、斑点和形状的结合体。以表现该派艺术家奉为圭臬的所谓人类最真实、最有本质力量的潜意识世界。在作品中，被摄物体只不过是被艺术家借来随心所欲地产生表现自身想象和个性“旋律”的音符。

　　抽象摄影的发轫者为泰尔博（1800-1877）。开始时，作品画面仍保持一定程度的可辨认性。至一九一七年摄影家科班（1882-?）用木片和透明玻璃碎片拍摄的《波尔多画报》就已完全不可辨认了。一九二二年，匈牙利抽象画家莫荷利纳基（1895-?）在曼瑞（1890-?）等人的基础上加以发展，并从理论上予以确立。随后，抽象画家康丁斯基、克勒等引进了显微摄影和X光摄影，从而xxx扩大了抽象派摄影的表现范围，丰富了摄影艺术的语言，建立了自己的艺术体系，并风行于欧美等国。

　　该流派的代表人物，除文中已提及的外，尚有史格特、芬宁格、安真兰特、佛莱泰、温隙斯特、格连巴晤、夏德和布留奎尔等。

　　这一流派的摄影家主张尊重摄影自身特性，强调真实、自然，主张拍摄时不摆布、不干涉对象，提倡抓取自然状态下被摄对象的瞬间情态。法国著名的“堪的”派摄影家亨利·卡笛尔·布列松说过：“对我来说，摄影就是在一瞬间里及时地把某一事件的意义和能够确切地表达这一事件的精确的组织形式纪录下来。”因而这一流派的艺术特色是客观、真实、自然、亲切、随便、不事雕琢、形象生动而富有生活气息。

　　“堪的”派中的摄影家，就其美学思想和创作倾向而言，情况是比较复杂的，虽然他们都崇尚人性世态的表现，且大部分都从事于新闻摄影工作，但有的为自然主义者，有的为写实主义者。

　　催生该流派的作品是一八九三年摄影家阿尔弗雷德·斯蒂格利茨的《纽约第五街之冬》，而真正完成者则是德国的摄影家埃利克·沙乐门博士。他用小型相机在一次德法总理举行的夜间会议结束时拍摄的《罗马政治会议》，由于它的生动、真实、朴实、自然，而成为该流派名垂摄影史的经典作品。

　　在摄影美学上，他们认为“以摄影的基本特点为基础的照片，是画家或蚀刻家所无法模仿的，它具有它自己的不可分割的我，具有自己特殊的表现力，甚至是用其他媒介不可能表现出来的特性”。其次，对客观事物的表现，他们重视和强调独创性，说：“（摄影家要用）自己的眼光来看世界，不要通过别人的眼光来看世界，而这正是区分照片是平庸还是高明，有价值还是没有价值的标准。”

　　该派著名的摄影家有美国的托马斯·道韦尔·麦阿沃依；英国的茜莉特·摩戴尔；法国的维克托·哈夫门；以及路易斯·达尔·沃尔夫、彼得·斯塔克彼尔·布鲁维奇等等。

　　“达达派”是xxx次世界大战期间出现于欧洲的一种文艺思想。“达达”，原为法国儿童语言中“小马”或“玩具马”的不连贯语汇。因为达达主义艺术家在创作中否定理性和传统文化，宣称艺术和美学无缘，主张“弃绘画和所有审美要求”，崇尚虚无，使创作近乎戏谑，因而人们把该艺术流派称之为“达达派”。

　　由于达达派摄影艺术作品不符合人们一般的审美趣味和审美要求，1924年以后就逐渐受到有较明确、完整的艺术豆腐和纲领的超现实主义艺术流派的冲击。但其影响仍可在以后出现的现代派摄影艺术中窥见。

　　达达派的著名摄影家有菲利普哈尔斯曼、摩根、拉茨罗摩荷利纳基和利斯特基等。

　　主观主义摄影是一种在第二次世界大战后形成的比抽象派摄影更为“抽象”的摄影艺术流派，所以又称作“战后派”。

　　它是存在主义哲学思潮在摄影艺术领域中的反映。其创始人是德国摄影家奥特·斯坦内特。他认为，“摄影是本来具有发挥自己能力的宽阔领域，也具有高度的主观能动作用。但目前却成了一种机械的写实主义”。于是提出了“摄影艺术主观化的艺术主张。极力主张摄影艺术的终极应该是提示摄影家自身的某些朦胧意念和表现不可言传的内心状态和下意识活动。”主观摄影就是人格化、个性化的摄影。这便是该流派的艺术纲领。主观摄影的艺术家们极度强调自己的创造个性，蔑视一切已有艺术法则和审美标准。该派理论家公开表示，“主观摄影不仅仅是一种试验性的图像艺术，而是一种自由的不受限制的创造性艺术。”“我们可以任意使用技术手段去创造照片。”

　　西方人体摄影的嬗变世界艺术史上，在希腊和欧洲文艺复兴时期出现过术的辉煌时期，其后诞生的摄影艺术，在经历了初期令人震惊的再现客观现实的艺术表现力后，富有探索精神和创造力的摄影家就开始向人体摄影领域的突进。1857年瑞典摄影家、后来留居英国的雷达兰，拍摄了一幅在摄影史上奉为经典之作的《人生的两条道路》，这幅情节丰富，场面浩繁的画面，运用了大量的人体作品，主题是观善惩恶，以白鬓长者为中心，两边两组人物体现了两种不同的道德观念、生活理想和人生历程。但是它也受到了少数人的攻击，说它动用那么多裸女，姿态粗野，流于色情等等。可见，古今中外，术无论它有多么积极的思想意义或高明的艺术处理，都会受到一些人的非难和攻击，这恐怕已成为一种规律性反应了。

　　西方人体摄影的发展趋势是非常明显的。在发展常规的传统的人体摄影的同时，也风行表达强烈的主观感受、现代摄影语言、创造多种流派、风格的作品，以至出现了畸形、切割、重组、神秘、荒诞、丑陋的意境。如杰瑞·郁斯曼的象征意味的人体摄影、罗杰·麦丁的《随意的人体》、托德·窝尔克的原始硕大造型的人体摄影、罗伯特·亨内斯钦及启德苏·俄克哈马等的切割重组的人体摄影、李思丽·克罗娜斯的荒诞意味人体摄影及宁达、康偌道尼·米切尔等的有性感意味的人体摄影等。

　　摄影作品版权也可以在国家或省市直辖市版权管理部分登记,或选择学会等第三方平台预选登记备案,特别是各种需要证实某一时刻,某人已经拥有什么数字形式潜在着作权资源,可选择包括并不限于数字指纹技术 数字水印技术,反盗载技术,融合可信时间戳技术 公证邮箱等可信第三方群技术的大众版权保护平台进行自主存证,进行摄影作品存证时间认证和多纬度智能认证,其科学性可以自主验证对证.版权纠纷时,提供初步第三方证据,需要时司法鉴定机构,提高法律证据有效性,这是在欧洲发达国家已经盛行很多年,与官方人工登记相互补充。

　　景深前界和景深后界分别共轭的两个成像平面之间的距离。像深与景深相对应，像深越大，景深也就越大。

　　确定景深的标准：135相机可允许的模糊圈直径一般为 1/30 mm,即0.033 mm。

　　当镜头聚焦在无限远时，位于无限远的景物结成清晰的影像，同时在有限距离某一点上的物体也能达到清晰的标准，近于这一点的物体就模糊起来，那么，这个物体到镜头之间的距离就是超焦距。

　　透镜中心到其焦点的距离。焦距的单位通常用mm(毫米)来表示，一个镜头的焦距一般都标在镜头的前面，如f=50mm（这就是我们通常所说的“标准镜头”，因为其视角于人眼视角相同故称标准镜头），28-70mm（我们最常用的镜头）这个焦距段是最适合拍人像的、70-210mm（长焦镜头）等。

　　用于控制曝光时间长短的装置。快门一般可分为帘幕式快门和镜间叶片式快门以及钢片快门三种。其中帘幕式快门又可分为纵走式帘幕快门、横走式帘幕快门。钢片快门可以达到更高的速度（目前最高快门速度可达1/12000秒以上）。镜间叶片式快门的最高速度一般不超过1/500秒，但镜间叶片式快门的xxx优点是拍摄时产生的噪音极低，极利于，并可以实现全速度范围内同步闪光。

　　快门开启的时间。它是指光线扫过胶片的时间（曝光时间）。例如，“1/30”是指曝光时间为1/30秒，同样，“1/60”是指曝光时间为1/60秒，1/60秒的快门是1/30秒快门速度的两倍。其余以此类推。

　　说明：有些资料把快门速度称为快门时间，二者名称不同，但含义相同，均指快门打开的时间。

　　影像相对清晰的范围。景深的长短取决于三个因素：镜头焦距、相机与拍摄对象的距离、所用的光圈。景深与以上三者的关系是：⑴焦距越长，景深越短；焦距越短，景深越长（例：在同样的光圈、距离的情况下，28mm的镜头的景深要远远大于70mm镜头的景深）；⑵距离越近，景深越短，距离越远，景深越长（例：在同样的焦距、光圈的情况下，拍摄对象在10米时的景深要远远大于拍摄对象在1米时的景深）；⑶光圈越大，景深越短，光圈越小，景深越长（例：在相同的焦距、距离的情况下，光圈为F16时的景深要远远大于光圈为F4时的景深）。

　　为了看到实际的景深，有的相机提供了景深预览按钮，按下按钮，把光圈收缩到选定的大小，看到场景就和拍摄后胶片(记忆卡)纪录的场景一样。

　　构图这个名称在国画画论中又叫布局，或叫经营位置。也就是说，摄影构图是从美术的构图转化而来，我们也可以简单的称它为取景。

　　不论是国画中的布局，还是摄影中的取景，都只涉及到构图的部分内容，并不能包括构图的全部含义。因此，统一用构图这个称呼是较科学准确的。

　　表示感光材料感光的快慢程度。单位用“度”或“定”来表示，如“ISO100/21”表示感光度为100度/21定的胶卷。感光度越高，胶片越灵敏（就是在同样的拍摄环境下正常拍摄同一张照片所需要的光线越少，其表现为能用更高的快门或更小的光圈）。

　　各种不同的光所含的不同色素称为“色温”。单位为“K”。我们通常所用的日光型彩色负片所能适应的色温为5400K-5600K；灯光型A型、B型所能适应的色温分别为3400K和3200K。所以，我们要根据拍摄对象、环境来选择不同类型的胶卷，否则就会出现偏色现象（除非用滤色镜校正色温）。

　　白平衡是数码相机的一个极重要概念。所谓白平衡（英文名称为White Balance），就是数码相机对白色物体的还原。一般白平衡有多种模式，适应不同的场景拍摄，如：自动白平衡、钨光白平衡、荧光白平衡、阴影白平衡等。

　　不同的数码相机有着不同的调节白平衡的方式，你需要阅读相机的说明书，学会如何改变白平衡设置。说到这儿，许多数码相机都有自动或半自动白平衡模式，帮助你进行

　　光到达胶片表面使胶片感光的过程。需注意的是，我们说的曝光是指胶片感光，这是我们要得到照片所必需经过的一个过程。它常取决于光圈和快门的组合，因此又有曝光组合一词。比如，用测光表测得快门为1/30秒时，光圈应用5.6，这样，F5.6、1/30秒就是一个曝光组合。

　　一般曝光补偿都是用在自动或者半自动曝光模式中的，如果是全手动曝光模式，很少采用曝光补偿，因为依靠快门和光圈的调节，也可以改变进光量了。

　　在复杂的光线及强对比高反差德环境下中，利用自动曝光或者快门、光圈优先模式，有时很难照顾全面，无法突出主题，达到预期的效果，这时就需要拍摄者手工对设备进行相应的曝光参数调整，这就是曝光补偿，也称±EV。对于初学者来讲,曝光补偿一般用于静物、景物拍摄的场合。这个场合适合从容进行参数调整，用不同的补偿方案拍摄多张照片以供挑选。不过在存在反差极大的画面中，曝光补偿很难照顾全面，容易顾此失彼。

　　指照明环境下被摄物暗面与亮面的受光比例。光比对照片的反差控制有着重要意义。

　　指在三维空间中灯具所处的具置。其中包括，面光，耳光，台口柱光，脚光，台口顶光，顶排聚光，顶排泛光，天排光，地排光，侧桥光，流动光，侧光，（吊笼 台架）追光等。

　　透镜中心到光聚集之焦点的距离。亦是照相机中,从镜片中心到底片或CCD等成像平面的距离。

　　镜头中心点到成像平面对角线两端所形成的夹角就是镜头视角，对于相同的成像面积，焦距越短，视角越大。

　　镜头明度的大小就是光通量的多少.口径大光通量多,明度就大,反之明度小.明度大小以光圈系数按倍数来计算.明度的大小是决定暴光的暴光的重要因数之一。

　　通过光线，影调，色彩的处理，表现出物体长，宽，高的形状，再平面上再现三度空间的被摄对象，就有了立体形状的感觉。一般多用侧光，逆光来拍摄。

　　光线主要包括四种特性——光线的强度，光线的性质，光线的方向性，光线的色彩。

　　这种类型的光线，是业余快照摄影师教你所使用的光线---拍照片时太阳在你的身后。正面光使被摄体对象没有一点阴影。被摄体的所有部分都直接沐浴在光线中，朝向相机部分全有光。

　　在顺光条件下，景物光照强，色调明快、想象清晰。且前景与背景照度一致，只要正确曝光，都能达到较好的效果，初学者容易掌握。顺光摄影，画面以物体亮部为主，阴影面积很少，明暗反差比较小，这对于宽容度比较小的彩色胶片而言很有利。因此顺光照片的色调朴实，色彩鲜艳，透明度好。

　　因为被摄物体光照均匀，所以，顺光是翻拍资料、拍摄大场景、集体照以及舞台照的最佳光照方向。拍摄人像为了减轻脸部的皱纹，也可以用顺光拍摄。

　　侧光是一种富于表现力的光照方向。光从侧上方照在景物上，景物表面形成丰富的明暗层次，明暗反差大。表面结构由于每一个微小突起而突出地表现出来，加上反方向的投影，立体感、空间感、质感都得到了很好的表现。前景、中景、远景层次分明。因此，这种光有时被称作结构光线。

　　在晴天的阳光下采用侧光拍摄，近景的明暗对比大，景物或人物非常醒目；而远景的明暗反差小，笼罩在一层淡淡的青色暮霭中，拍出的照片画面十分和谐。另外用侧光来表现物体表面肌理也特别有效。

　　正是因为侧光造成的强烈的明暗对比，所以给彩色摄影带来了一定的困难。首先彩色胶片的曝光宽容度比较低，所以景物反差过大会影响色彩的还原，使照片色彩饱和度下降。例如拍摄人物，明暗反差以1：2、1:3xxx，xxx不应该超过1：5。但侧光下的人物面部反差比往往超过1：7，这时，用彩色胶片拍摄，势必有些色彩不能表现出来。

　　当光从相机对面被摄物的后面照过来时，会获得极具艺术魅力的逆光光照效果。如果你就此曝光，被摄物就会变成一个黑色的剪影。如果采用兼顾曝光，尽管被摄物与背后的光反差强烈，你仍然可以捕捉到影像的细节。如果光源处于高位，就会在被摄对象的顶部勾勒出一个明亮的轮廓一例如模特儿的头发一制造出一种戏效果。被叫做轮廓光。

　　逆光能使照片纵深层次分明如画；少许高光部与大部分的背光形成鲜明的对比，画面充满光感而透明，；由于环境反光，景物暗部色彩千变万化，真能使人陶醉。逆光或后侧光下景物的拍摄和表现，是艺术家们经常探讨的课题。

　　漫射光和直射光有本质上的区别。在漫射光环境中，没有明显的光比产生，光线也没有很强的方向性。在这种环境下拍摄时，对被拍摄物体而言，使用任何角度进行拍摄，其光线几乎都是等同的。在漫射光环境下拍摄照片，所产生的光影效果比较平淡，被拍摄物体不会因光线的照射产生精彩的光影效果；同时，画面的反差较低。不过，此时的曝光控制相对比较容易，使用相机内的矩阵测光就能得到不错的曝光效果。

　　多区域测光也叫评价测光，它是将画面分割成数个区域。各自独立运算后再整理。取得一个完整曝光值，多区域测光方式往往优先考虑被对焦的主要目标，因为在大多数情况下，对焦的主要目标也就是需要获得正确曝光的部分。有了多区域测光，即使是对摄影一窍不通的人也会轻易获得准确的曝光效果。所以多区域测光是当前比较先进、流行的测光方式，也是当前高等级自动照相机默认的测光方式。

　　中央重点平均测光是大多数相机普遍采用的测光模式，应用也比较广泛。中央重点测光意味着曝光读数受中央区域的影响xxx，受画面四角的影响最小，通常中央重点测光对画面中央2/3的部分比较敏感(具体范围依照各种不同品牌的相机的而有所差异)，某些相机对画面的底部予以重视，以减少天空对景物的影响，在正常拍摄条件下，中央重点测光是一种非常实用的测光棋式，但如果画面主体不在中央或是逆光拍摄，便有可能引起测光的误差。

　　点测光又称重点测光，是对取景范围中的1%–5%区域测光。点测光模式用得极少，也不易掌握。但在某些情况下，点测光却能发挥出重要的作用。了解在何种情况下应该使用点测光，并能正确使用点测光，一方面可使主体曝光精确，另一方面利用“感光宽容度”来创造出现实中无法看到的奇妙图片。

　　点测光模式适用的情况：现场光线分布不均而且反差很大的情况，如逆光下，这种情况如果不用点测光，可能会造成需要表现的主体曝光不准，太亮时主体人物成为剪影、画面发白没有层次或者是太暗看不出细节。

　　所谓“摄影”，就是对一些景物的局部或者全部进行拍摄，以被摄物体的独有特征之美来吸引观众。但在拍摄时近景时，通常由于相机离被摄物体很近，所以很容易因为相机的举握不稳定而影响像质。不过你可以通过购买一些适当的器材来克服这些问题。拍摄好的摄影作品需要掌握以下几个技巧：

　　拍摄时必须将相机安装在一个三角架上以防止相机的晃动。尽量的将相机靠近被摄物体，并且注意不要引入不必要的阴影。

　　虽然它不是拍摄时的必备品，但是调焦轨却是一个很好的辅助装置可以帮助你拍摄出好的特写镜头。调焦轨能够使相机以非常小的增距沿着X和Y轴线移动，能够精确的控制相机的位置和画面的景深。如果用移动三角支架来达到理想的位置则是非常麻烦的。

　　即使你已经将相机安装到了三角支架上，但是如果你在按快门的时候不小心，仍然有可能使相机产生晃动，所以为了避免这种情况的发生，我建议你xxx还是使用快门线。

　　在拍摄时，当被摄物体的背景为黑色，那么就能够使拍摄出来的图象看起来最清楚。你也可以使用模糊的背景，特别是当被摄物体的色彩很浓的时候。

　　使用一个白色的卡片或是用一张铝箔包在卡片上，将光线反射在被摄物体上，以照亮物体上的阴影部分。需要注意的是不要让这张卡片出现在被拍摄范围内。

　　有时候，即使是一阵微风也会使拍摄到的特写镜头出现模糊的情景。在这个时候，你就一定要有耐性了，xxx是等到风过了之后再进行拍摄。同样的，在户外拍摄时，当天上的云将太阳遮住了，xxx是等到太阳出来后再拍摄，这样拍摄出来的照片看起来会比多云时拍摄的照片的色彩更鲜艳

　　奥地利摄影家伊涅斯特·哈斯对于构图，他已达到手中无剑，剑在心中的境界，他认为：“构图在于平衡，每个人对平衡的处理都各有不同。”正如同武功达到最高境界时，已没有招式名称，只凭自己的功力去化解。关于相机在构图中的位置。他认为：“你越能忘记你的器材，越能集中你的题材和构图，那么相机只是你眼睛的延续，再没有其他意义。”

　　小雅各布斯还认为：“构图的最基本的因素是线条、形式、质感以及这些因素之间的空间。当然色彩同样也是不可忽略的因素。会聚的线条一般能说明透视关系，但并不是所有的照片都非要表现出透视的深度不可。许多杰出的作品都是平面图案。在取景器中的某个景物或人物的肖像，都是根据摄影者个人的感受进行安排的。因此，怎样构图，和怎样选择主体、光线、色彩一样，也能成为一个摄影家独特的个人风格的基础。 “在大多数情况下，每幅照片中都有一个或一组形状或形式起主导作用，而照片中的色彩、体积、位置和其他形状等，都是为主导因素服务的。 “构图中的对比，是指大与小、明与暗、近与远、主动与被动、平滑与粗糙、色彩的浓艳与轻淡等等的对比。要多利用这些相互对立的因素，通过它们使主体影响整个构图。例如，恰当地利用对比法则，照片就会具有强大的魅力。” 有些人或许对构图有天赋。

　　当画面中被摄主体在画面中所占比例过小，或画面的空白空间比较单调时（例如拍摄夕阳下的高楼大厦时），可以创造性地运用欠曝形成剪影作为前景，通过黑色的剪影既可以压迫观众的视觉投向被摄主体，同时黑色剪影也不会分散观众的注意力。我们甚至可以运用以剪影作为主体的边框，形成方、圆或变异的各种形状，使平常的景物具有独特的画面形式感，增加画面的纵深感。

　　关于摄影坛里“宁过勿欠”与“宁欠勿过”的两种曝光原则，各有各的观点，两者都有为数不少的支持者。顾名思义，“宁过勿欠”指的就是“宁可过曝也不可欠曝”，只要曝光直方图不超出右边界，就可以放心地过曝，这样反而能让画面xxx限度地干净细腻，并且感光度越高，效果越明显；“宁欠勿过”指的是“宁可欠曝也不可过曝”，因为欠曝带来的图片不够亮的问题完全可以用后期PS补救回来，而一旦过曝、丢失细节，拿什么软件都难以解决了。

　　拍照最忌表情僵硬，婚纱摄影时也不例外，如果新娘面相呆滞木讷，像是被人强制安上去的一般，拍出来的效果肯定不会好；虽然拍结婚照是非常甜蜜开心的事，新人也切忌笑的自然不要太过，微笑xxx。

　　拍摄时身姿端直才有美感，切忌耷拉着脑袋，显得无精打采的，再好的摄影师也拍不出好照片来。

　　拍照时可以摆各种各样的姿势，或微微扬手，或稍微侧身，或低眉沉思，或翘首远盼……配合摄影师的建议，新娘可以摆出很多优美的姿势。这里应注意动作的幅度，张弛有度，优雅得体，动作切忌过于张显而流于夸张，也不能过于细微而显得忸怩作态。

　　新娘手持扇子会增添一种古典韵味；双手捧花会让新娘和花朵相得益彰；贴近自然会独得一份清新和宁静；而靠近新郎会让新娘看起来更加甜美幸福……凡有所依，必添美感。

　　婚纱摄影持续时间较长，有的甚至会持续一天，这时候我们就应该确保婚纱礼服的整洁干净、新娘妆容和发型的完好无缺。

　　1、有时爱是不需要表白说出的，手势打出，无声的爱更能打动人心，“LOVE”，手势、背影， 此处无声胜 声。

　　2、镜子一向是摄影中运用最多的小道具，从镜子折射中拍出的照片效果总是出其不意，效果极佳。新娘借着镜子与伴娘站在了一起，相得益彰，妙然有趣，互动得非常到位。

　　3、除了新娘，孩子是婚礼上最容易捕捉精彩镜头的人，当他们站在一起，女人与小孩，美丽与童真，在这一瞬间，幸福的未来就在眼前，触手可及，记录永恒。

　　4、谁说婚纱照上的新郎必须中规中矩，偶尔的搞怪也是不错的创意，当然有伴郎的作伴更好，感情越深越二，这样的婚纱照记下的是新郎与哥们之间满满的基情之爱。

　　5、出嫁的女儿总是要哭的，感谢父母养育之恩，不用去拍流下眼泪的瞬间，或与父母或与祖母母亲新娘三代人一起手手相牵，温情默默足以打动所有来宾。

　　6、婚礼礼成之后的新人相拥亲吻有太多的创意可以拍，让所有的来宾蒙上眼睛，假装没有看到他们的甜蜜，其实在心底每个人都献上最真挚的祝福。

　　摄影艺术对于印象主义绘画的影响在艺术史上非常有名，有人曾说：“印象派的画家都非常执着于摄影表现”。从以下几个方面可以看出摄影对绘画的显着影响：

　　这些都从：1、印象派画家们对于光的性质所采取的科学态度；2、平面化的远近法；3、不习惯的角度；4、对画面端明确的处理等处表现出来。

　　印象派之后，画家和摄影的关系也是日益紧密，据说法国画家及雕塑家德加（Edgar Degas西莱尔·热尔曼）、埃德加（1834-1917）曾对拍摄的动物照片着迷一时。评论家龙口修三（1903-1979）先生说：“如果莫内是白昼的印象派，那么德加就是夜晚的印象派。”有许多资料显示，既是画家又是摄影家的例子屡见不鲜。法国艺术家图卢兹·亨利 （1864-1901 Henri de Toulouse-Lautrec）存有一张欢喜地抱着相机的照片，其他许多名人也都热衷于摄影。我最喜欢的是一张贝纳尔·撒拉（1844-1923）的照片，它的内容好像任何时候都不会过时。

　　日本在徳川末期到明治之间，曾有大批外国人在横滨拍摄了当时日本的风俗照片，类似现在的明信片大小，却深深留刻着历史。日本的“横滨绘”融合摄影与绘画于一身；曾经还有过一种使用轴的摄影；画家浅井忠的作品《农人》，很明显是一幅日本土产的摄影影像作品；在日本画的世界，残留有许多作为画材资料使用过的花鸟、舞妓等摄影帖。在近代，竹久梦二先生的摄影集曾被新潮社出版，不同的是，作为诗人的萩原朔太郎拍摄了许多作品收录其中。此外，有意思的是谷崎润一郎先生的小说中常常有莱卡相机登场。

　　由于有些介质可以感受可见光之外电磁波的照射，因而相应的照相技术得以开发。 最为普及的是红外线照相，甚至很多民用照相机不需改装就可进行红外线照相。在普通相机内装入红外感光胶卷，即可进行照相。但是，相应的辐射强度计算还不能足够精确的给出曝光所需时间。类似情况也出现在恒星摄影中。不同波长的电磁波辐射都可以由介质保存，在显现为人眼可读的图片。普通照相是为了记录人们所见的场景，而非可见光照相则显示了人眼所不可能识别的镜像。

　　上世纪90年代中期，xxx家婚纱影楼在国内出现，婚纱照也开始渐渐流行，现已成为整个婚庆过程中不可或缺的一个环节。同时，婚纱影楼也经历了从产生到壮大成熟的快速发展，随着市场需求的不断增长和行业间竞争的日趋激烈，婚纱影楼逐渐步入了品牌时代。 起步期——照相馆的延伸国内大部分婚纱影楼的前身是照相馆，当时，人们结婚时一般只拍张简单的合影。照相馆也使用简易的机械相机，化妆也全凭自己喜好，没有和专职摄影师。随着经济的发展，人们对结婚照的要求逐渐多了起来，在拍照时会更换几套衣服，旗袍、军装、古装以及婚纱等。市场要求摄影的分类更加专业和细化，于是一些专拍结婚照的影楼开始出现，它们配备了一些较为专业的摄影器材，有了自己投资的简易工作间。

　　从1992年开始，在台湾风行已久的专业婚纱摄影技术渐渐被祖国大陆吸收引进。

　　1994年，国内最早的一些婚纱摄影店开始吸引了人们的眼球，这时的影楼不仅引进了专业的摄影器材，也吸收和培养了一批专职的摄影人才，较为专业的婚纱摄影服务也逐渐在工作中显现。“人们在最初的惊奇之后，很短时间内就接受了这种现代的结婚纪念方式。”金巴黎的经理告诉记者，“在这种消费需求的拉动下，大部分影楼挖到了xxx桶金。”据一些业内人士透露，在1997－2001年的时候，婚纱影楼的利润相当高，可达到70％左右，这既是从业者挖到xxx桶金的时代，也是婚纱影楼的积累期。

　　在市场利润的吸引下，婚纱影楼的经营者不断增多，这为消费者带来更多精致服务的同时，竞争也开始了。在竞争的过程中，行业内部迎来了转型的契机。2002年，沿海城市在国内率先将数码摄影技术应用在婚纱摄影上，同时也创建了xxx数码婚纱影楼。这一技术的应用在减少成本杏彩体育app下载，提高效率的同时，也使影楼内部的工种增多，如电脑后期处理工作，超大幅映像制作等。这不仅要求影楼吸收更多的专业技术人才，内部管理以及相关服务也至关重要。于是，一些经营和管理方式较为成功的婚纱影楼逐渐占据了市场的主要份额，一些经营不善的影楼或退出行业，或缩减经营项目，由市场造成的行业内部分级逐渐明朗。

　　在市场分级的大趋势下，一些知名婚纱影楼成为了人们消费的主要对象。这些影楼渐渐注意到企业形象在经营中的重要性。在不断提高产品质量，加强内部管理的同时，经营者更加注重产品的创新和服务的优化细致。

　　在竞争越来越激烈的情势下，各影楼力求通过各种方法将服务做得更加周到、细致入微。售前，包括影楼的装修、氛围、格调、接待、介绍等都要充分考虑到消费者的需求；售中，从化妆、服装到摄影、取景、后期制作等也力求满足消费者要求；售后，包括镜框制作、保修、补拍等也尽量让消费者满意。到这时，由照相馆发端的婚纱影楼也步入了品牌期。

　　1．设计好主题人像的造型风格，选择适合整体表现的场景，做好先期的主题与场景设计作业。

　　2．平时应多培养美学构图的能力，并在拍摄时拟定好主题人像与场景之间的整体构图计划，不可落入人像公式构图的俗套，而拍成特写类型的照片。

　　3．解析并运用现场采光情形，用加减运作的方法融入所要拍摄的人像主题，在场景环境中，控制采光的突出表现，而不落入一般纪念照的平光通病。

　　4．控制景深的长短，制造动人与高层次的景深表现，不可落入一般生活照的杂乱模式。

　　5．选择最适当的拍照时机按下快门，掌握住人像的生动感与景象的艺术感，拍摄出完美的人像带景艺术作品。

　　开始于1917年的普利策奖由美国著名报人约瑟夫·普利策创立，主要分为新闻奖和文化艺术奖。

　　普利策逝后立下遗嘱，将财产捐赠给哥伦比亚大学，设立普利策奖，奖励新闻界、文学界、音乐界的卓越人士，该奖自1917年以来每年颁发一次。 85年来，普利策奖象征了美国最负责任的写作和最优美的文字。特别是新闻奖，更是美国报界的最高荣誉。每一个希望有所作为的美国记者无不以获得普利策新闻奖作为奋斗的目标。 普利策奖的评委由有成就的名记者组成。

　　当年的优胜者由评委审查、挑选，但评选结果需经哥伦比亚大学顾问委员会通过，并由哥伦比亚大学校长宣布。 首届普利策摄影奖是1942年颁发的。此后，除1946年外，每年颁发一次。从1968年开始，摄影类增设了专题新闻摄影奖，获奖作品通常由一组照片组成。 普利策摄影奖获奖作品具有重要意义。不少美国人对于许多重大事件的深刻印象是由当年普利策奖获奖照片形成的。事实上，许多美国人是通过回忆他们xxx次看到这些影像时正在做什么来记录自己的一生的。

　　世界新闻摄影比赛(WPP)又称荷赛，是1956年由荷兰三位摄影家发起创立的基金会支持的，该基金会的宗旨是：“在全世界范围内引起并增强人们对新闻摄影的广泛兴趣，传播信息并加强国际间的相互理解。”

　　四十年来，世界新闻摄影比赛的规模在不断扩大，每年都有数十个国家近万幅作品参赛，比赛项目发展到9类19项，是世界上参与范围最广，xxx代表性和权威性的新闻摄影大赛。荷赛每年还常增设一些特别奖，如“匈牙利李斯特奖”、“奥斯卡·巴纳克奖”等。荷赛所涉及的题材的多样性使其参赛及获奖照片不但能基本涵括每年的重大事件，也能深入人类的日常生活，它的作品已成为人类所处的时代和历史的见证。

　　哈苏基金会是由厄纳和维克多·哈苏捐赠的遗产于1979年建立的。基金会的宗旨是促进自然科学和摄影领域的科学教育和研究。该基金会每年都拨款资助众多项目，其中之一就是每年一度的哈苏国际摄影奖。1989年，该基金会在瑞典哥德堡成立并向公众开放了哈苏摄影中心（哈苏中心），该中心已经举办了一系列展览和文化演讲活动。值得一提的是，该中心还建有一个面向研究者和学生的摄影研究与参考书图书馆，收藏有包括历届哈苏国际摄影奖获奖者作品在内的丰富的图片。

　　哈苏国际摄影奖创办于1980年，当前已经逐步成为一项国际摄影界重要的摄影赛事，主要宗旨是奖励“一位公认的摄影师的主要成就”。该奖项由一批在国际上有影响力的摄影家和资深专家推荐3名候选人，最终得主则由哈苏基金会董事会从3名候选人中选定。

　　2001年，在国家文化部、国务院新闻办公室和山西省委、省政府的大力支持下，首次创办的“平遥国际摄影节”完全按照国际规范操作，国内与国际接轨、传统与现代互动，使平遥古城独特的风貌、古朴的民风以及形式多样的摄影活动交相辉映，在海内外产生了出乎预料的轰动效应。因此，经国家文化部批准、组委会决定在2002年9月15-22日继续举办这一盛会。

　　2002年平遥国际摄影大展吸引了来自法国、美国、西班牙、丹麦、俄罗斯、意大利、比利时、日本、韩国等国家的著名摄影家参展，他们展出的18组30个展览全部是xxx次在中国亮相。国内摄影展览有33组65个，整体上突出了“世纪中国”的主题，我们从大展所展出的几千幅作品中选部分精品，编辑成册，记载下这辉煌的瞬间。

　　国家摄影大典是国家摄影一年一度、面向全球摄影人的年度盛典，是全球摄影产业发展的风向标，同时也是一年一度全球摄影人的思想盛宴。

　　一年一度的国家摄影大典，将对本年度涌现出来的全球摄影领域的大事件进行盘点；将对本年度涌现出来的影响全球的图片进行评选和颁奖；将对本年度涌现出来的摄影事件进行多角度的剖析；将对下一年度及未来全球摄影发展趋势进行分析、预测和展望。

　　2012年4月22日，国家摄影大典首届盛典在中国北京胜利举行，1200多人参加了本届盛典，会议现场展出了1000多幅优秀摄影作品。盛典还对首批“达盖尔奖”进行了揭晓和颁奖。

　　达盖尔奖，是国家摄影大典的最高奖项，以照相机的发明人法国著名发明家、化学家和艺术家路易·雅克·曼德·达盖尔（Louis·Jaque·Manteis·Daquelle）的名字命名。为了纪念他对人类摄影事业的贡献，国家摄影大典把每年的最高荣誉奖定为达盖尔奖。

　　获奖理由：这是一本气势磅礴、唯美精妙的图片典籍，他用一种唯美的风光摄影手法和独特的视觉拍摄，凝结出艺术的魅力，用一张张精妙的作品展现出中国山河的唯美与壮阔。

　　获奖理由：作品拍摄于中国汶川地震。这幅作品不仅震撼了中国，而且震撼了世界。2008年，它使得所有中国人的心在失去近10万同胞的悲痛中紧紧凝聚，这就是摄影作品的力量。

　　获奖理由：2009年至2011年，何世红以一个中国普通公民的身份，发起了震惊中外的“七大洲低碳行”大型公益行动，在近两年的时间里，他用影像图片的形式将低碳金融理念推行到七大洲84个国家，得到各国的高度赞誉和广泛认可。国际媒体和一些国际组织称他为“一个中国公民给世界的低碳长征”。

　　2010年“光影之星”在湖南摄影协会大力支持下，首次主办“光影之星”摄影大赛。后每年一届。至今已成功举办了2届。无论是摄影界专业人士还是非专业的摄影爱好者，都可以用相机、手机把所遇到的生活点点滴滴拍下来，参加“光影之星”。

　　作为一个摄影新手，我们在购买相机时，一般都会随机购买一些配件，比如相机包，存储卡，电池，UV镜，偏振镜，三脚架，快门线，清洁套装等等，这其中除去电池和清洁套装，选购其余的配件都需要一定的技巧。

　　先来说下CF卡吧。现在开网店的很多，价格也一只是店主竞争的主要手段之一，你随便上网一搜，都可以搜到一堆标榜着存储空间大，存储速度快，并且价格低廉的CF卡。这个时候，你千万别窃喜，小编跟你说，这肯定是假货，你只要通过软件去测速就知道了，所以千万别贪图这种便宜，省得坏事。

　　接着，我们再来谈谈UV镜，UV镜的作用就是装在镜头前端来保护镜头的。对于初学者来说，扛着摄相机，因为技术掌握还没到家，磕磕碰碰的事是免不了的，所以买一块UV镜还是相当有必要的。选择好的UV镜，主要是看它在反射白色灯光时是否会带有颜色，如果是，而且透光率又很高的话，那这片UV镜就属于比较好的。

　　最后，我们再来说说偏振镜。偏振镜的长相其实跟UV镜差不多，它的主要功效就是减少玻璃或水面的反光，同时还可以让天空更蓝，水更清等等，我们平常岽的一般都是环形偏振镜。选择偏振镜的技巧跟选择UV镜是一样的，主要是看镀膜以及透光率，还有就是要装上偏振镜试拍一张照片，如果照片没有偏色，那么说明这偏振镜还不错。

　　而像三脚架、相机包这些，对摄影的影响不大，购买的时候，主要还是根据摄影者自身的喜好来选择，但同时也要注重细节和材料部分。当所有的数码配件都准备齐全后，接下来摄影初学者就得好好掌握摄影技术，只有硬件和软件都上去，才会拍出完美的摄影作品。

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　　人物概述 王国君，中国民间书法艺术探索者、国家一级摄影师、国家一级企业文化师。 人物简介 王国君 ，男，1961年6月生，党员。系中国民间书法艺术探索者、国家一级摄影师 (国家职业资格证书全国联网查询证书编号3)、国家一级企业文化师 (国家职业资格证书全国联网查询证...

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